Die 50 besten Actionfilme aller Zeiten

"Aktion!" Es ist das Leitwort, das Filmemacher zu Beginn jeder Einstellung sagen, wenn die Besetzung vor der Kamera zum Leben erwacht. Action ist genau das, was Kinofilme von Standbildern unterscheidet, und obwohl Hollywood einige Jahrzehnte brauchte, um herauszufinden, was ein „Actionfilm“ eigentlich ist, hat das Genre seine Wurzeln in den Ursprüngen des Mediums (nur zu, Google). Thomas Edisons früher Film „Boxing Cats“ oder stellen Sie sich vor, wie der Gesetzlose am Ende von Edwin S. Porters „The Great Train Robbery“ seine Pistole direkt in die Kamera feuert.

Wenn es um die besten Actionfilme aller Zeiten geht, liegt die Messlatte jetzt deutlich höher. Wenn Sie die Liste von Variety durchlesen, erfahren Sie ein oder zwei Dinge darüber, wie sich die Form im Laufe der Jahre entwickelt hat. Arnold, Sly und Bruce (sowohl Lee als auch Willis) haben jeweils ihre Spuren hinterlassen. Aber Chuck Norris und Burt Reynolds wurden in den Schatten gestellt, da jeder Film auf dieser Liste den Test der Zeit bestehen musste. Wir lieben zum Beispiel die Klassiker von Shaw Brothers („King Blood“ und „The 36th Chamber of Shaolin“ waren nah dran), aber Martial-Arts-Filme haben sich so sehr weiterentwickelt, dass andere Titel an ihre Stelle getreten sind.

Sie werden vielleicht von den Dingen überrascht sein, die wir ausgeschlossen haben, darunter Filme mit großartigen Actionszenen (wie „Dirty Harry“ oder Marvel-Filme), die letztendlich etwas außerhalb des Genres lagen, während andere, die möglicherweise nicht per se als Actionfilme vermarktet wurden (wie z als größter Film von Paul Greengrass) schaffte es in den Schnitt. „Schnitt“ ist natürlich das Aktionswort, das jeden Take beendet. Also, ohne weitere Umschweife, hier ist die Liste der 50 besten Actionfilme aller Zeiten von Variety.

James Bond befand sich seit dem glanzlosen „Der Mann mit dem goldenen Colt“ von 1974 in einer Krise. Aber Roger Moores drittes Mal als Geheimagent wurde zu einem der größten Publikumslieblinge von 007, als „Man lebt nur zweimal“-Regisseur Lewis Gilbert zum Franchise zurückkehrte und den Geheimagenten mit dem russischen Gegenstück XXX, alias Anya Amasova (Barbara Bach), zusammenbrachte ), der die perfekte Ergänzung für Moores eleganten Spion war. Der Film ist vollgepackt mit großartigen Versatzstücken, wie zum Beispiel der retro-coolen Skiszene vor dem Abspann, die auf tückischen Pisten spielt, einer unglaublich lustigen Verfolgungsjagd, bei der sich Bonds Lotus Esprit in ein U-Boot verwandelt, und einer gewaltigen Schießerei auf einem Tanker mit Dutzenden Matrosen. Außerdem stellt es einen von Bonds größten Feinden vor, den furchterregenden Kiefer mit dem metallenen Mund. - WIR

Tom Cruise hatte sich längst als williges Versuchskaninchen für alle todesmutigen Körperstunts erwiesen, als es an der Zeit war, seinen ersten Blockbuster „Top Gun“ weiterzuverfolgen – warum sollte er also nicht die tatsächlichen Marineschiffe fliegen, die die Charaktere steuern? in „Maverick“? In Zusammenarbeit mit Regisseur Joe Kosinski, der für völlige Authentizität Kameras in jede Ecke des Cockpits einbaut, testet Cruise seine Co-Stars mit den Schritten des Flugtrainings, um Luftaufnahmen zu erzeugen, wie sie praktisch noch nie auf der Leinwand zu sehen waren, zumindest praktisch, und nimmt das Publikum mit auf eine Fahrt Dadurch lohnte es sich nicht nur, 36 Jahre auf die Fortsetzung zu warten, sondern es wurde auch „das Kino gerettet“ zu einer Zeit, als die Art von Spektakel, die der Film bot, als ebenso veraltet galt wie Pete Mitchell, sein erfahrener Pilot. — TG

Dieses Update der klassischen Fernsehserie aus den 60er Jahren geht von der ursprünglichen Prämisse in ein Katz-und-Maus-Spiel zwischen den mürrischen alten Männern Harrison Ford und Tommy Lee Jones über. Unter der Regie von Andrew Davis, der durch die Bilder von Steven Seagal und Chuck Norris einen Prestigesprung machte, spielt Ford Dr. Richard Kimble, einen Mann, der fälschlicherweise des Mordes an seiner Frau beschuldigt wird. Nach ihrer Flucht während einer explosiven Zugentgleisung ist Kimble auf der Flucht vor Jones‘ hartnäckigem stellvertretenden US-Marschall. Es ist ein Riesenspaß zu sehen, wie diese beiden Superstars muskulös werden, während sie durch großartige Szenen in Treppenhäusern, auf Dächern und durch eine Parade rennen. Der Clou des Films ist ein kurzes Tête-à-Tête zwischen den Hauptdarstellern in einem Regenwasserabfluss, bei dem Kimble seine Unschuld beteuert und Gerard, der stets professionelle Mann, rundheraus antwortet: „Ist mir egal“, bevor Kimble einen gewaltigen Sprung von Cheoah macht Staudamm in den darunter liegenden Wasserfall. - WIR

Dieser staubige, schmierige Klassiker folgt den aufregenden Abenteuern von Kowalski (Barry Newman), einem Lieferfahrer, der auf Geschwindigkeit setzt und gegen die Polizei und alle anderen auf der Straße antritt, um einen Dodge Challenger in Rekordzeit von Colorado nach San Francisco zu bringen. Das Rennen von Regisseur Richard C. Sarafian und Kameramann John Alonzo ist voller wilder Stunts, farbenfroher Charaktere, zerdrückter Fahrgestelle und furchtloser Kameraführung und hat als eine der wildesten Fahrten im amerikanischen Kino und als Meditation über die Natur des Seins Kultstatus erlangt. je nachdem, wie man das wilde Ende verdaut. So oder so brennt bei dieser Fahrt durch die Hölle und zurück das Benzin durch den Bildschirm. - WIR

Angesichts des Blutvergießens und der Explosionen ist Action oft ein hässliches Genre. Nicht so, wie Zhang Yimou es inszeniert. In der aufwändigen, visuell hinreißenden Interpretation von Wuxia-Filmen behandelt der chinesische Regisseur den Kampf wie Tanz (oder ist es umgekehrt?) und engagiert einige der führenden Kampfkunsttalente Asiens – Jet Li, Maggie Cheung, Tony Leung, Zhang Ziyi und Donnie Yen – um zu demonstrieren, wie Sparring mit der richtigen Choreografie und der richtigen Drahtarbeit zu einem kreativen Akt wird. Die komplizierte Handlung ermöglicht es Zhang, mehrere der Schwerkraft trotzende Schlachten zu inszenieren, die jeweils einer anderen Farbe gewidmet sind, während sich der namenlose Held des Films in einem Umkreis von zehn tödlichen Schritten um einen kriegstreibenden König positioniert. Ob er auf einem Berggipfel aus roten Felsen Doppelselbstmord begeht oder mit langen Seidenärmeln Pfeile abwehrt – die poetischen Bilder sind das prächtigste Action-Spektakel des Kinos. — PD

„Teil II“ ist eine gewaltige Abkehr von dem Film aus dem Jahr 1982, der den Auftakt der „Rambo“-Reihe bildete – ein eher psychologisches Porträt, in dem Sylvester Stallones traumatisierter Vietnamkriegsveteran seine Fähigkeiten einsetzt, um einer relativ kleinen Fahndung zu entgehen – und schickt den Soldaten zurück nach Vietnam um Kriegsgefangene zu retten. Er ist enorm muskulös und verfügt über explosive Munition, als hätte er einen grenzenlosen Vorrat (ein Stil, der die Popcorn-Actionfilme der 80er-Jahre prägte). Er verankert eine Fortsetzung, die einen Teil seines Gehirns abschaltet, um große Kills und Explosionen in den Vordergrund zu rücken. Die Versatzstücke sind unauslöschlich, von Rambo, der mit explosiven Pfeilen für Massenchaos sorgt, bis hin zu einer spannenden Helikopterkampfszene, die dem „Rocky“-Star seinen Platz neben den stämmigen Filmstars seiner Zeit festigt. - WIR

Wer hat gesagt, dass ein Actionfilm aus einem rasanten Feuerwerk bestehen muss? In Fred Zinnemanns brillant inszeniertem Thriller ist die Hauptfigur ein professioneller Attentäter, gespielt mit höflicher Amoralität von Edward Fox, der von einer Gruppe rechtsextremer französischer Untergrundkämpfer angeheuert wird, um Präsident Charles de Gaulle zu ermorden. Die kühne Aufregung des Films liegt in der Art und Weise, wie er das Publikum mit der Sichtweise des Auftragsmörders verbindet. Wir starren gleichzeitig mit ihm auf seine Ziele, was zu einer unangenehmen soziopathischen Vision führt, die dem Film das Gefühl gibt, das fehlende Bindeglied zwischen dem Zapruder-Film und Ego-Shooter-Videospielen zu sein. – OG

Sind Sie überrascht, dass Doug Limans Franchise-Start-Original auf der Liste steht und nicht die Fortsetzungen von Paul Greengrass? Wir gingen zurück und schauten uns alle an, und zu unserer Überraschung war der erste Film besser, als wir ihm normalerweise zutrauen. Von diesem klassischen Moment auf der Parkbank, in dem Matt Damons amnesischer Attentäter entdeckt, dass er eine tödliche Waffe ist, zeigt der Film Jason Bourne, wie er instinktiv durch Kämpfe und Verfolgungsjagden rennt, die sorgfältig choreografiert sind, um nicht choreografiert zu wirken (denken Sie an die heftige Wohnungsschlägerei, bei der ein Mörder... kracht durch das Fenster). Zugegeben, Greengrass hat die Form vorangetrieben, indem er dem Material einen blitzschnell geschnittenen, dokumentarisch-authentischen Touch verlieh, aber dieser erste Film gab die Vorlage vor, von seiner straffen, leicht verwirrenden Kameraführung bis hin zu den Dreharbeiten an echten europäischen Drehorten. Tatsächlich etablierte „Identity“ einen der wenigen amerikanischen Spione, der es mit Bond aufnehmen konnte. — PD

Der Dekolleté-König Russ Meyer hat sich vielleicht in der Exploitation-Filmszene einen Namen gemacht, indem er lustvolle Filme über vollbusige Füchsinnen drehte, aber dieser zitierwürdige Billigflieger aus dem Jahr 1965 hat den Test der Zeit bestanden und genau den Charakteren Kraft gegeben, die das Publikum angeblich angestarrt hat. Die actiongeladene erste Rolle zeigt drei Go-Go-Tänzer, die zu den kalifornischen Salzseen rasen, wo sie sich im Staub herumschlagen und Drag-Racing betreiben. Nachdem er einen sauber geschnittenen Boyo zu einem Rennen herausgefordert hat, schnappt sich Gruppenleiter Tura Satana den Rücken, stiehlt seine Freundin und heckt einen Plan aus, um einen verrückten alten Blässhuhn in der Wüste auszurauben. Meyer schafft es irgendwie, beides zu erreichen, indem er die Mädels durch unnötige Duschszenen zwingt, während er andeutet, dass die Jungs auf der Leinwand die wahren Raubtiere sind. Natürlich haben die Frauen kein Problem damit, ihnen zu zeigen, wer der Boss ist. — PD

Walter Hills einzigartiger Film ist ein New Yorker Bandenkriegsthriller, der wie ein psychedelisches Comicbuch gestaltet ist. Den Warriors, einer Straßenbande aus Brooklyn, wird ein Mord angelastet, den sie nicht begangen haben. Sie müssen 30 Meilen vom nördlichen Ende der Bronx zu ihrem Heimatrevier Coney Island reisen und dabei verschiedene bunte Banden bekämpfen. Die Schlachten sind so stilisiert, dass sie in ihrer Brutalität ballettartig wirken; Man könnte fast sagen, der Film hat die Form eines Musicals. Doch seine verschärfte Vision der New Yorker Stammesaggression entfaltet etwas zugleich Berauschendes und Aufrührerisches (es war einer der ersten zeitgenössischen Filme, in denen bei Theateraufführungen über Gewalt berichtet wurde), und für jeden, der ihn gesehen hat, gibt es Momente, die unauslöschlich bleiben Bande in Baseballuniformen und bemalten Gesichtern zum tödlichen Spott („Krieger! Kommt raus zum Spielen!“) von David Patrick Kellys babystimmlichem Psycho. – OG

Der Thriller von Gareth Evans aus dem Jahr 2011 basiert auf einer „Stirb Langsam“-ähnlichen Prämisse und fügt einige der elektrisierendsten Kampfkünstler hinzu, die das Publikum jemals sehen wird: Iko Uwais spielt Rama, einen jungen Polizisten, der sich danach seinen Weg aus einem 30-stöckigen Wohnhaus erkämpfen muss Seine Truppe wird von dem Verbrecherboss, den sie festnehmen wollen, darin gefangen. Zusammen mit seinen Mitdarstellern Yayan Ruhian und Joe Taslim strahlt Uwais eine Geschwindigkeit und ein Maß an körperlicher Geschicklichkeit aus, die unmöglich erscheinen, aber es ist die bisher weniger bekannte indonesische Kampfkunst Pencak Silat, die sich als der wahre Star des Films erweist, der a Komplexität und unerbittliche Brutalität, mit denen nur wenige andere Formen mithalten können – geschweige denn Niederlagen. — TG

Der erste vollständige Ausdruck von Steven Spielbergs Genie. Er startete seine Karriere im Wesentlichen mit der Regie dieses legendären ABC-Films der Woche und baute ihn auf einer Prämisse auf, die andernfalls ein reiner Einweg-TV-Horrorfilmkäse der 70er Jahre hätte sein können. Ein Verkäufer (Dennis Weaver mit einem Geek-Schnurrbart und einer Fliegerbrille mit Drahtgestell), der allein auf Geschäftsreise ist, fährt mit seinem roten Plymouth Valiant eine zweispurige Autobahn durch die Mojave-Wüste hinunter, wo er von einem heruntergekommenen Tanklastwagen bedroht wird, dessen Fahrer wir sehen nie. Es gibt fast keine Dialoge, aber Spielberg hat den Film so inszeniert, als wäre er Hitchcock bei einem Showdown zwischen Metall und Maschine. Seine Rahmung und Bearbeitung sind so genial, dass der Fluss der Bilder nie nachlässt. „Duel“ wird zu einem düster-komischen, poetischen Albtraum voller Spannung, wie ein gemächlicherer „Mad Max“-Film, der mit nur zwei Fahrzeugen gedreht wurde. Der aus seinen Abgasen sprudelnde Lastwagen bleibt eine unergründliche Kraft, aber in Wirklichkeit ist er das erste von Spielbergs großen Monstern, ein Vorläufer des Hais in „Der Weiße Hai“. – OG

Eine Zeile aus Tom Hardys Dialog in „Inception“ – „Du darfst keine Angst haben, etwas größer zu träumen, Liebling“ – schien Regisseur Christopher Nolan lange Zeit als Leitfaden zu dienen. Zwischen „The Dark Knight“ von 2008 und „The Dark Knight Rises“ von 2012 waren die Erwartungen an diesen mysteriösen, von Machismo geprägten Actionthriller, der in einer komplizierten Nistpuppe aus Träumen in Träumen spielt, unverschämt hoch. Leonardo DiCaprio spielt einen Dieb, der Informationen aus ahnungslosen Gehirnen erbeutet, und das hohe Konzept wurde durch einige der innovativsten visuellen Elemente seit „Matrix“ noch verstärkt. Bei Schießereien verschieben sich Wände und Leichen fliegen umher; Die Zeit wird als Waffe eingesetzt, während gut gekleidete Kriminelle tiefer in ihre Träume eindringen. und eine verregnete Verfolgungsjagd steht im Vergleich zu Nolans aufregendsten Szenen. - WIR

Der zweite Film markiert den Höhepunkt der epischen Film- und Fernsehserie von Regisseur Tsui Hark, in der Jet Li den heldenhaften Kampfkünstler Wong Fei-Hung spielt, der zusammen mit Siu-kwan (Rosamund Kwan) und Leung Foon (Max Mok) besiegen muss die kultige Weiße Lotus-Sekte und der böse Nap-lan Yun-seut (Donnie Yen). Die größten Szenen des Films zeigen erwartungsgemäß Li und Yen im Kampf, wobei „Teil II“ das beste Sparring der Serie, hochfliegende Drahtseile und fantastische Bewegungen bietet, die der Geschichte Tiefe und Fantasie verleihen. Das Aufeinandertreffen dieser beiden Legenden sorgt für einen wunderschönen, unvergesslichen Film voller Klasse und harter Schläge. - WIR

Abgesehen von den Klassikern von Sean Connery ist es der großartigste James-Bond-Film – es gibt Tage, an denen wir ihn für besser halten als sie –, weil er der dramatischste, lebendigste und komplexeste ist. Doch selbst als Daniel Craigs mürrischer 007 sich bei seinem allerersten Auftritt seinen Weg durch ein fantastisch kniffliges Spionage-Spinnennetz bahnt, das eine eindringliche Romanze und den größten Showdown am Pokertisch, der jemals gefilmt wurde, umfasst, ist die Action in „Casino „Royale“ wird zum reinen Ausdruck dieses hochriskanten Dramas, vom schockierend brutalen Mord zu Beginn, der Bond seine Lizenz zum Töten einbringt, über die ekstatische Parkour-Fanfare, die den Film auf Hochtouren bringt, bis hin zur Beinahe-Vergiftung von Bond während des Kartenspiels Der beeindruckende Höhepunkt des Films: Ein ganzer Palazzo in Venedig zittert und stürzt vor Ihren Augen ein. – OG

Bei allem Respekt vor Johnny Depps Captain Jack Sparrow, niemand hat ein Entermesser besser gehandhabt als Hollywoods ursprünglicher Actionheld Douglas Fairbanks. In diesem Stummfilmklassiker aus dem Jahr 1926 (ein seltener Farbfilm seiner Zeit) spielt der „Mark of Zorro“-Star einen Seemann, der sich für den Tod seines Vaters durch eine gierige Piratenbande rächen will, indem er sich verwegen in deren Reihen schleicht. An Bord ihres Schiffes verliebt er sich in eine entführte Prinzessin und plant, sie zu retten. Der Schwertkampf beeindruckt auch nach all den Jahren immer noch, obwohl es Fairbanks‘ charakteristischer Schachzug – er stürzt sich dramatisch zum Mast und lässt dann seine Klinge über die Segel des Schiffes gleiten, was er nicht nur einmal, sondern dreimal tut – am ikonischsten bleibt. — PD

Wie ein Muscle-Car, das nach jedem Straßenrennen schrittweise aufgerüstet wird, hat die „Fast & Furious“-Franchise im Laufe ihrer zwei Jahrzehnte währenden Laufzeit mehrere unterschiedliche Phasen durchlaufen, von der schlanken, gemeinen Straßenrennen-Action von „Tokyo Drift“ bis zum „ „Looney Tunes“-ähnliche Weltraum-Spielereien späterer Fortsetzungen. Allerdings sind sich so gut wie alle einig, dass der fünfte Film, der die Kulisse nach Rio de Janeiro verlegt, am meisten Spaß macht. Dieser Teil stellt Dwayne Johnson als Gegenstück zu Vin Diesels Machismo vor (und stellt den noch wilderen Gegner Jason Momoa aus „Fast Der Höhepunkt liegt darin, wie sie den Tresorraum aus einer Polizeistation herausreißen und ihn durch die Stadt schleppen. — PD

Der deutsche Regisseur Tom Tykwer liefert 80 Minuten pures Adrenalin in diesem genialen Perpetuum Mobile, das mit einfachsten Haken konstruiert ist: Eine schlagfertige Frau mit feuerhydrantenroten Haaren (Franka Potente) hat 20 Minuten Zeit, um 100.000 D-Mark aufzutreiben, oder der Toast ihres Freundes. Die Uhr tickt, während ihre Gedanken durch drei rücksichtslose Szenarien rasen, die sich schnell hintereinander abspielen. Manchmal fühlt es sich so an, als ob der Film mit seiner technogetriebenen Punk-Heldin kaum mithalten kann und alle möglichen wilden Stiltricks mit der Kamera spielt – an einer Stelle sogar auf Animation umschaltet –, während er in Tangenten absplittert, um deren Schicksale anzudeuten die Fremden, deren Wege sie kreuzt. — PD

Actionfilme waren, falls Sie sich fragen, nicht immer in ihrer Körperzahl-Verdorbenheit geradezu eklatant. Diese unverblümte, übertriebene Definition von Action schlich sich nach und nach ein und entstand aus verschiedenen Genres (Einzeljustiz, Kampfsport, Chaos auf der Straße), die schließlich zur neuen Normalität verschmolz. Und „Commando“ markierte den Moment, in dem die zeitgenössische Action auf eine prickelnde kritische Masse bombastischen Wahnsinns traf. Arnold Schwarzenegger spielt einen pensionierten Special Ops-Offizier (Name: John Matrix!), dessen Tochter (eine 12-jährige Alyssa Milano) von mittelamerikanischen Söldnern entführt wird, die ihn zu einem politischen Attentat zwingen wollen. Stattdessen rutscht er während des Startflugs aus einem Flugzeug, übernimmt Autos, Raketenwerfer und Kleckse Kampfschminke und bespritzt den Bildschirm mit seiner rachsüchtigen Wut (zur Erinnerung: Er tötet 81 Menschen). Es gibt ein paar Zeilen, die Arnolds würdig sind Pantheon („Erinnerst du dich, als ich das letzte Mal versprochen habe, dich zu töten? Ich habe gelogen“), und sie bekräftigen die damals neuartige Vorstellung, dass der ganze wahnsinnige Kamikaze-Blutzünder-Festzug in gewisser Weise ein Witz war. – OG

Wahrscheinlich der herausragende Einfluss auf Quentin Tarantinos „Inglourious Basterds“, Robert Aldridges düsterer Thriller über den Zweiten Weltkrieg ist vor allem für seine saftige Prämisse bekannt: Ein Dutzend der schmuddeligsten und unwiderruflichsten Militärsträflinge, die man sich vorstellen kann, werden aus dem Gefängnis geholt und als solche ausgebildet Kommandos für ein Selbstmordkommando. Die erste Hälfte des Films ähnelt der grundlegenden Trainingssequenz von „Full Metal Jacket“, inszeniert von einem unflätigen Mad-Magazin. Doch als unsere Antihelden mit dem Fallschirm nach Frankreich abspringen, wo sie ein Schloss infiltrieren und so viele Wehrmachtsoffiziere wie möglich töten sollen, wird der Film zu einem mitreißend verzweifelten Stück abtrünniger Action-Action. Der denkwürdigste Moment: Jim Brown versucht, sich in Sicherheit zu bringen, nachdem er eine verhängnisvolle Granate geworfen hat. – OG

Es gibt die aufregendste Sequenz in allen „Mission: Impossible“-Filmen: Ethan Hunts langes Hin und Her über die Oberfläche des Burj Khalifa, des höchsten Gebäudes der Welt (2.717 Fuß aus stürzendem Obsidianglas in Dubai), ein Blick nicht nach unten Eine Leistung, die Tom Cruise mit seinem nach wie vor gewagtesten seiner gefeierten Stunts wirklich vollbrachte. Aber der vierte und größte Eintrag in der „M:I“-Reihe ist mehr als nur ein Podest für diese schwindelerregende Leistung. Regisseur Brad Bird verleiht dem gesamten Film eine schwindelerregende Instabilität durch Falltüren, die den Zuschauer zu einem intimen Teil des Geschehens macht. – OG

Pam Grier erlangte Legendenstatus für ihre Darstellung der Foxy Brown, einer Frau, die keine Angst davor hat, die weißen Drogendealer zu verfolgen, die ihren Freund in diesem düsteren Blaxploitation-Klassiker getötet haben. Der Film ist endlos zitierfähig (bis hin zur grandiosen letzten Zeile: „Der Tod ist zu leicht für dich, Schlampe. Ich will, dass du leidest!“), ist voller Flair, Foxys unnachahmlichem Stil und einigen wirklich subversiven Momenten von Rache und chaotischer Gewalt . Im Anschluss an „Coffy“ war Griers rasanter Auftritt so erfolgreich, dass er die weiblichen Rollen in Actionfilmen insgesamt hervorhob. Kombinieren Sie dies mit Griers ikonischer Rolle in Quentin Tarantinos „Jackie Brown“ von 1997 für einen perfekten Kinoabend. - WIR

Nach der Bravour von „Mad Max“ und „The Road Warrior“ stolperte Autor und Regisseur George Miller in „Mad Max – Jenseits der Donnerkuppel“ (1985) ein wenig. Vielleicht hat er deshalb 30 Jahre gebraucht, um in „Fury Road“ den Mut zu finden, diesen Vorsprung wiederzugewinnen. Im Geiste ist der vierte „Mad Max“-Film mit „The Road Warrior“ identisch, da Charlize Therons Imperator Furiosa, der die Zügel von einem inzwischen katatonischen Max (Tom Hardy) übernimmt, eine verrückte Verfolgungsjagd durch die Wüste anführt. Aber die Actionszenen sind gleichzeitig etwas Klassisches und Neues: gemeiner und schneller und explosiver als zuvor, geschnitten mit einer Präzision im Bruchteil einer Sekunde, die so explosiv ist, dass das Auge bei einem Blick fast nicht alles erfassen kann. „Fury Road“ hat den rasanten Nervenkitzel einer Fahrt, die man beobachten, erleben und meistern kann. – OG

Jackie Chan konnte bei der Regie dieses Krimi-Thrillers auf jahrelange praktische Stunt-Erfahrung zurückgreifen und kombinierte seine komödiantischen Instinkte mit erstaunlichen akrobatischen Fähigkeiten, was ihm Vergleiche mit Buster Keaton einbrachte. Die Handlung des Films dient kaum mehr als ein Rahmen, an dem mehrere Versatzstücke aus der Hall of Fame aufgehängt werden können – vor allem die frühe Verfolgungsjagd, in der Chan an einem fahrenden Bus hängt, und der Höhepunkt des Showdowns im Einkaufszentrum, bei dem niemand mehr übrig bleibt Fenster unversehrt oder Bösewicht unversehrt. Chans Training ermöglichte es ihm, komplizierte Bewegungen in einem einzigen Schuss auszuführen, bei denen andere Stars sicherlich betrügen würden, indem sie sich auf Körperdoppelungen und Schnitte verlassen würden, wie zum Beispiel den mutigen Sprung und die lange Stangenrutsche, die Chan durch eine gläserne Decke krachen lassen. — PD

Heute kennt ihn die Welt als John Wick, aber wir überlegten noch, was wir von Keanu Reeves, dem „Bill & Ted“-Durchbruch, halten sollten, als er seinen ersten Actionfilm buchte. Die Rolle eignete sich gut für die etwas unbeholfene Leinwandpräsenz des Dude-Stars, in dem der übermütige FBI-Neuling Johnny Utah mit dem Surfen beginnt, um eine Reihe von Banküberfällen durch Rebellen in Gummimasken des ehemaligen Präsidenten aufzuklären. Das bedeutet, dass man sich mit einer Bande von Draufgängern unter der Führung von „Dirty Dancing“-Star Patrick Swayze anfreundet und dem Publikum ganz neue Moves zeigt. Das Geniale an der Gestaltung des etwas dämlichen Films ist, dass selbst die unteren Szenen kinetisch wirken, da sie größtenteils mit Surfen verbracht werden. Und derjenige, der all das Testosteron orchestriert? Das wäre die zukünftige „Hurt Locker“-Regisseurin Kathryn Bigelow. — PD

Es mag unaufrichtig oder unsensibel klingen, Paul Greengrass‘ großartiges Dokudrama über die Entführung eines United-Airlines-Flugzeugs durch Al-Qaida-Terroristen am 11. September 2001 als „Actionfilm“ zu bezeichnen. Doch ein Teil der aufschlussreichen Kraft des Films besteht darin, dass er einer ist; Es lässt uns eintauchen in die wahrhaftige und tiefgründige Erfahrung, die ein Actionfilm sein kann. Formal ist die Situation, um die es bei „United 93“ geht, gar nicht so weit von der Inszenierung von „Air Force One“ entfernt. Aber „Greengrass“ arbeitet in einem handgehaltenen Stil, der ebenso spontan wie fesselnd psychologisch ist, und versetzt uns in die Lage der Zivilisten, die ihr Leben riskierten, um die Terroristen, die das Flugzeug entführt hatten, daran zu hindern, es in das Kapitol der Vereinigten Staaten zu stürzen. Die mitreißende Tragweite des Films überwältigt nie seine Menschlichkeit – eine Qualität, die sich auch auf die Darstellung der Terroristen auswirkt. – OG

Vom Eröffnungsimpuls der Synthesizer-Partitur von Regisseur John Carpenter bis zum explosiven Finale im Keller einer stillgelegten Polizeistation ist der zweite Spielfilm des amerikanischen Genre-Meisters eine Meisterklasse darin, mit einem Mikrobudget von nur 100.000 US-Dollar Nervenkitzel zu liefern. Der Film spielt sich wie ein moderner Western, in dem eine Handvoll Polizisten versuchen, die Stellung zu halten, wobei ihnen die Mitglieder der Street Thunder-Gang an Waffen und zahlenmäßig unterlegen sind. Nach einer gewagten Szene, in der eine Wagenladung Fahrspaßfahrer kaltblütig ein Mädchen erschießt und tötet, wird den Zuschauern klar, dass niemand in Sicherheit ist, was die Belagerung zum Höhepunkt bringt – in der den Polizisten keine andere Wahl bleibt, als ein paar Kriminelle auf dem Weg in den Todestrakt anzuheuern – umso spannender. — PD

Nachdem seine Frau und sein Sohn vom korrupten Commodus (Joaquin Phoenix) gekreuzigt wurden, hat Maximus von Russell Crowe nur noch eine Motivation: Rache zu nehmen, und dann ist er bereit zu sterben. Als Maximus zum Sklaven und Gladiator gemacht wird, erhält Crowes Auftritt eine besondere höllische Kraft. Und es sind seine schielenden, unerbittlichen königlichen Schlägereien, die die außergewöhnlichen Actionszenen von Ridley Scotts Romanspektakel befeuern. Maximus ist nicht nur wütend – er ist besessen. Im blutgetränkten Ring des Kolosseums trifft er auf alles, was ihm entgegengeworfen wird, und schlachtet es ab. Scott inszeniert die Gladiatorenkämpfe mit einer CGI-Innovation, die nach wie vor atemberaubend ist, aber was sie so erschütternd macht, ist, dass die Einsätze für einen Actionfilm noch nie so hoch waren. – OG

Action erfordert keine hohe Geschwindigkeit. Ein typisches Beispiel: Henri-Georges Clouzots packender Suspense-Klassiker, in dem vier verzweifelte Männer, die mit dem Transport von Lastwagen beladen mit hochentzündlichem Nitroglycerin über 500 km holpriges Gelände beladen sind, feststellen müssen, dass sie nur durch langsames und vorsichtiges Vorgehen verhindern können, dass sie in die Luft fliegen hoch. Es dauert fast eine Stunde, bis die Mission beginnt (gekürzt für die ursprüngliche US-Veröffentlichung des Films, die einen Teil von Clouzots politischer Kritik opferte). Sobald dies der Fall ist, möchte das Publikum kaum mehr von seinen Plätzen rühren, um keine Explosion auszulösen. Eine riskante Kurve auf einer verrotteten Holzplattform bildet die spannendste Szene des Films, in der Yves Montand seinen Lastwagen rückwärts bis zum Rand fährt. — PD

Michael Manns selbst beschriebener „LA Crime Story“ mag einige der atemberaubendsten Szenen in der Geschichte des Actionfilms enthalten, aber der Kitt, der ihn zusammenhält, ist die Besonderheit seiner Charaktere, die sich durch die Welt nach persönlichen Codes bewegen, die in Frage gestellt werden von ihren Gegnern und zwangsläufig auch von ihnen selbst. Neben dem epischen Bankjob – der sich bis in die Straßen der Innenstadt von Los Angeles erstreckt und dort zu einer hochkarätigen Schießerei unter freiem Himmel führt, bei der Polizisten und Räuber hinter verlassenen Autos Maschinengewehre abfeuern – gibt es einen spannenden Angriff auf einen gepanzerten Lastwagen und das letzte Manöver. A-Mano zwischen den Krimi-Ikonen Al Pacino und Robert De Niro. Manns Konzeptualisierung der Raubüberfälle, ihres Abfangens durch die Behörden und des daraus resultierenden Konflikts zwischen ihnen lässt das Publikum von der Gefahr begeistert sein, auch wenn es sie dazu zwingt, Partei für Charaktere zu ergreifen, die sie gleichermaßen bewundern und fürchten. — TG

Ang Lee befand sich gerade in den Anfängen, ein Genre-Chamäleon zu werden, als er beschloss, einen der größten Wuxia-Filme aller Zeiten zu drehen und den angehenden Star Zhang Ziyi mit der Hilfe von drei Legenden asiatischer Action zu ernennen – Chow Yun-Fat und Michelle Yeoh und Cheng Pei-pei, die Hauptstütze der Shaw Brothers. Durch die Kombination von ephemerem, ballettartigem Drahtgeflecht mit kulturellen und philosophischen Traditionen, ganz zu schweigen von bittersüßer, vielschichtiger Romantik, faszinierte der Film eine Welt, die bereits von den Hongkong-Einflüssen in „The Matrix“ fasziniert war, und bot eine Version des Todes (und der Physik). -) herausfordernden Nervenkitzel, der authentisch und üppig war, ohne in hautenges Leder und Techno-Musik gehüllt zu sein. — TG

Sam Peckinpahs äußerst gewalttätiger Western zeigt eine Gruppe alternder Revolverhelden, aber die einfache Geschichte wird durch umwerfende Bilder abgerundet. Männer schreien, Blut spritzt, Knochen knacken in unglaublicher Detailliertheit, während Cowboys von Pistolen, Gewehren und noch größeren Todesinstrumenten in Stücke gerissen werden. Über das Blutvergießen hinaus zeichnet sich „Wild Bunch“ durch Louis Lombardos innovativen Schnitt während der Schießereien aus, der eine kinetische Mischung aus Geschwindigkeit und Zeitlupe mischt, sich in bestimmte Momente stürzt und in einem ballettartigen Gemetzel zu anderen rast. Zwei Jahre nachdem „Bonnie und Clyde“ seine Antihelden voller Kugeln und blutend im Staub zurückgelassen hatte, kam der Oscar-nominierte Film zu einem noch spektakuläreren Crescendo in die Kinos und markierte einen klaren und dauerhaften Bruch mit den relativ zahmen Western, die es zuvor gegeben hatte. - WIR

Manchmal kann eine Szene einem Film Ruhm verleihen, und das religiöse Epos „Ben-Hur“ wird für immer in Erinnerung bleiben wegen seines atemberaubenden und innovativen Wagenrennens – zweifellos eine der besten Actionszenen, die jemals gedreht wurden. Der Pomp und die Umstände im Vorfeld der Veranstaltung zeigen die Größe des Publikums, der Strecke, der Pferde und der Kämpfer. Sobald der Wettbewerb zwischen Judah Ben-Hur (Charlton Heston) und Messala (Stephen Boyd) beginnt, klappern die Speichen und wirbeln in den lebenswichtigen Kurven Schmutz auf, während Messala versucht, Ben-Hur mit einer Klinge an seinem Rad zu Fall zu bringen . Doch als eines von Messalas eigenen Rädern wegfliegt, wird sein Streitwagen zerstört und er wird von seinen Pferden hergezogen, bevor er von einem Rivalen niedergetrampelt wird – ein Moment, in dem er sich windet und sein Körper zerschlagen und blutend zurückbleibt. - WIR

Die Lektionen, die James Cameron aus „Aliens“ gelernt hatte, wandte er auf diese Fortsetzung von „Terminator“ an, indem er die gleiche Story-Struktur wie im ersten Film subversiv neu mischte und sie dann um den Faktor zehn verstärkte: das, was während der ursprünglichen Runde war Eine spannende Verfolgungsjagd durch dunkle Gassen wird zu einem ausgedehnten David-gegen-Goliath-Showdown zwischen einem Mack-Truck und zwei Motorrädern in den Kanälen des LA River – und von da an wird es nur noch schlimmer. Cameron nutzt jedes Quäntchen technischen Fachwissens (und kommerzieller Freiheit), das er sich in seiner Karriere bisher erworben hat, und erfindet Schwarzeneggers „Terminator“, einen der größten Bösewichte in der Geschichte des Science-Fiction-Films, nicht nur gekonnt als Held neu, sondern kreiert anschließend auch noch einen zweiten Übertreffen Sie ihn mit dem T-1000, was zu einem epischen Duell führt, das das Geschäft mit unbeweglichen Objekten und unaufhaltsamen Kräften wie ein Schubsen auf einem Spielplatz erscheinen lässt – was auch einer der vielen Orte ist, an denen Cameron buchstäblich explodiert. — TG

Sergio Leone hat zu viele Werke geschrieben, als dass eines davon das wahre Magnum unter ihnen sein könnte, aber dieser Höhepunkt seiner „Dollars“-Trilogie kommt ihm ziemlich nahe. Während er in den ersten beiden Filmen seine Technik verfeinerte, verbreitet er seinen Stil auf der damals größten Leinwand seiner Karriere – nicht weniger als dem Amerikanischen Bürgerkrieg – für einen opernhaften Showdown zwischen Clint Eastwoods Herumtreiber Blondie, Lee Van Cleefs Söldner Angel Eyes und Eli Wallachs Bandit Tuco. Jede Schießerei fühlt sich aufregender an als die vorherige, da Leone gekonnt den metronompräzisen Schnitt und die mitreißende Musik von Ennio Morricone verbindet und so ein kathartisches Ergebnis aus Bild und Ton entsteht. — TG

Es ist ironisch, dass der Hongkonger Regisseur John Woo so oft mit Tauben in Verbindung gebracht wird; Wenn es um Gewalt geht, ist er ganz sicher ein Falke. „Hard Boiled“ war ein explosives Schaufenster oft nachgeahmter Techniken – deren Einfluss auf der ganzen Welt nachhallte (darunter unentgeltliche Zeitlupe und das Springen durch die Luft mit feuernden Waffen in beiden Händen) – „Hard Boiled“ war der letzte Film, den Woo drehte, bevor Hollywood ihn umwarb West, um Größen wie John Travolta und Nicolas Cage zu inszenieren (im unverschämt übertriebenen, aber schamlos unterhaltsamen „Face/Off“). Hier verbringen die Charaktere von Chow Yun-fat und Tony Leung die erste Stunde damit, sich gegenseitig umzubringen, bis ihnen klar wird, dass sie beide für dieselbe Seite arbeiten. Wenn man die sehr blutigen Leichen des Films bedenkt, ist es entweder perfekt oder pervers, dass das Finale in einem Krankenhaus stattfindet. — PD

In den letzten Jahren hat Errol Flynns Off-Screen-Ruf als ultimatives verdorbenes Partytier des alten Hollywood seine Magie auf der Leinwand beinahe in den Schatten gestellt. Aber wenn Sie zurückgehen und sich Michael Curtiz' bezaubernden Technicolor-Swashbuckler ansehen, werden Sie feststellen, dass Flynn nichts weniger als der prägende Actionheld des Films war, mit einer teuflischen Unverschämtheit, die Robin Hoods Schwertduelle zu etwas unglaublich Witzigem und Witzigem macht spannend. Flynn, der das Turnier in eine Form des Tanzens verwandelt, scheint die Zeit seines Lebens zu haben, und sein Geist ist so ansteckend, dass „Die Abenteuer des Robin Hood“ oft als der fröhlichste Actionfilm aller Zeiten erscheint. – OG

Der Popkultur-Kollagist Quentin Tarantino arbeitet an seinem bislang größten Gemälde und fasst die Einflüsse von Leones Spaghetti-Western, „Lady Snowblood“, Samurai-Filmen, einigen Jahrzehnten Shaw Brothers-Filmen und vielem mehr zu einem „brüllenden Rachefeldzug“ zusammen „Das ist gleichzeitig lustig, aufregend und emotional niederschmetternd.“ Mit „36. Kammer der Shaolin“-Star Gordon Liu in gleich zwei Rollen an der Seite seiner „Muse“ Uma Thurman rückt Tarantino die Helden auf der Leinwand und hinter der Kamera ins Rampenlicht, die ihn inspiriert haben. Aber selbst auf rein emotionaler Ebene erzeugen sein Gespür für die Kamera und die Choreografie der Hongkong-Legende Yuen Woo-Ping Versatzstücke, die denen seiner Vorfahren alle Ehre machen und deren blutige Inspiration und noch mehr zum Ausdruck bringen. — TG

Von allen Schauspielern, die James Bond verkörpert haben, bleibt Sean Connery der ikonischste, der rohe Kraft mit unerschütterlicher Raffinesse verbindet. Hier ist ein Typ, der überzeugend einen kühlen Kopf bewahren kann, selbst wenn er an eine Platte geschnallt ist und ein Laserstrahl sich langsam auf seinen Schritt zubewegt. Zu Beginn überlegte das Franchise noch, welche Form es annehmen sollte, aber bei seinem dritten Auftrag standen alle Elemente fest: ein denkwürdiger Bösewicht (in Gert Frobes 14-Karat-Krimi), ein tödlicher Handlanger (das wäre Oddjob, mit der rasiermesserscharfen Melone), einer wilden Widersacherin (Pussy Galore) und allen möglichen High-End-Spielzeugen (nichts ist besser als sein ausgetrickster Aston Martin). Auch wenn er manchmal albern war, setzte dieser Ausflug den Goldstandard – nicht nur für Bond, sondern für alle Spionagefilme. — PD

Nachdem er als Kameramann für Größen wie Ridley Scott, John McTiernan, Richard Donner und Paul Verhoeven gearbeitet hatte, erlangte Jan De Bont mit diesem unerwartet charmanten Adrenalinschubsystem mit Keanu Reeves und der damals mutigen Newcomerin Sandra Bullock in den Hauptrollen über einen Bus, der durch die Stadt navigiert, seine Karriere als Regisseur Los Angeles ist voller Verkehr, während ein Verrückter, gespielt von Dennis Hopper, damit droht, es in die Luft zu jagen, wenn es langsamer wird. De Bont balanciert mühelos die Spannung seiner eindimensionalen Prämisse mit den Persönlichkeiten sowohl innerhalb als auch außerhalb des Busses, die versuchen herauszufinden, wie sie ihn sicher anhalten können, und baut auf Versatzstücken auf, die jedes absurder erscheinen als das vorherige, uns aber dennoch in Aufregung versetzen schamlose Tapferkeit ihrer Hinrichtung. Während „Der weiße Hai“ Kinogänger dazu brachte, nie wieder ins Wasser zu gehen, brachte dieser Film sie dazu, zweimal darüber nachzudenken, ob sie öffentliche Verkehrsmittel nutzen sollten. — TG

Kurz gesagt, eine solche Verfolgungsjagd hatte es noch nie gegeben. Es beginnt im Mission District von San Francisco, wo Polizist Frank Bullitt (Steve McQueen) in seinen Ford Mustang GT springt, den er mit Höchstgeschwindigkeit fährt, um einen Killer bis zum Rand der Stadt zu verfolgen. Er hört nie auf – aber das Revolutionäre ist, dass die Verfolgungsjagd selbst nie aufhört und immer weiter rast, was sich damals wie wahnsinnig endlose 10 Minuten und 53 Sekunden anfühlte. McQueen ist immer am Steuer, daher glauben wir jede Wendung, die wir sehen, und die fliegenden Sprünge der Autos über die Hügel von San Francisco verleihen dem Ganzen eine aufregende Instabilität. Doch die bahnbrechende Dimension von „Bullitt“, der in der Zukunft zum Prototyp für fast alle Fahrzeugversatzstücke wurde, ist die Art und Weise, wie er Geschwindigkeit, Action und den Nervenkitzel der Verfolgungsjagd ermöglichte, einfach einen Film zu übernehmen, als ob nichts anderes wichtig wäre . – OG

Kurosawas Meisterwerk ist ein Film, der für die Geschichte des Kinos von so großer Bedeutung ist, dass er aus dem modernen Kino kaum mehr wegzudenken ist. Er legt den Grundstein für zahllose Men-on-a-Mission-Filme, die folgen werden. Die Geschichte ist einfach: Eine Gruppe Samurai-Meister schwört, ein Dorf vor Banditen zu schützen. Aber lieben Sie eine Szene, in der es darum geht, das Team zusammenzubringen? Kurosawa hat es zuerst getan. Charaktere, die bereit sind, alles für ihre Ehre zu opfern? Kambei (Takashi Shimura) und seine Männer sind bereit. Epische, wunderschön gedrehte Actionsequenzen mit tadellosem Tempo? Dieser Film hat Maßstäbe gesetzt. Indem er Aspekte des amerikanischen Westerns in eine historische japanische Geschichte übersetzte, schuf Kurosawa eine Vorlage für unzählige Blockbuster, darunter ein paar Jahre später einen echten Western, „Die glorreichen Sieben“. - WIR

In Anlehnung an die Kanonenfutter-Prämisse von „Alien“ steigert jede Sequenz in James Camerons Fortsetzung die Spannung mit fachmännischer Präzision und entschädigt sie dann mit intensiver und grausamer Gewalt, die immer mehr an die Menschlichkeit der Charaktere gebunden zu sein scheint die Fetischisierung seiner namensgebenden, genozidalen Xenomorphen (entweder durch Weyland-Yutanis korporative Oberherren oder durch Cameron selbst). Unterdessen schlüpft Sigourney Weaver wieder in die Rolle der Ellen Ripley und behauptet sich nicht nur, sondern erweist sich auch als fähige, einfallsreiche Anführerin einer schwindenden Zahl anfänglich allzu selbstsicherer Marines – was zu einem Showdown zwischen mütterlichen Figuren führt, die bereit sind, alles zu tun, um ihre Kinder zu beschützen. Cameron hat die Messlatte auf ein Niveau gelegt, das die Serie von nun an immer verfolgen, aber nie ganz erreichen würde. — TG

Die Wachowskis synthetisierten alles, von Cyberpunk-Science-Fiction über Videospiele bis hin zu Hongkong-Actionfilmen, und stellten das bisher Dagewesene neu dar. Sie führten eine elegante neue Ästhetik ein, die nicht nur die Zukunft darstellte, sondern auch die Codes der Mode und des Filmemachens für die kommenden Jahrzehnte beeinflusste. Nach „Star Wars“ ist dies die Filmreihe, die der Etablierung eines religiösen Kults nach ihrem eigenen Vorbild am nächsten gekommen ist, da die Fans die quasi-spirituellen/philosophischen Elemente des Films aufgegriffen haben. Für die meisten bestand der größte Reiz darin, zu sehen, wie die Wachowskis die spektakulären, zeitraubenden Schießereien des Films inszenierten, was Keanu Reeves‘ Neo die Fähigkeit verlieh, die Physik zu überwinden – die gleiche Kraft, die die Möglichkeiten des Genres begrenzt hatte – wie er es tat Kämpfe mit Legionen schwarz gekleideter Agenten. Es ist kein Zufall, dass die Regisseure von „John Wick“ und „Atomic Blonde“ mit der Stuntarbeit für dieses Franchise begannen. — PD

Wenn Sie die großartigsten Actionsequenzen in der Filmgeschichte bewerten würden, könnten Sie gute Argumente dafür finden, dass dies bei der sagenumwobenen „French Connection“-Verfolgungsjagd der Fall sein sollte, bei der Gene Hackmans Popeye Doyle mit waghalsiger Geschwindigkeit fährt, um einen Auftragsmörder in der erhöhten U-Bahn zu erwischen kommen Sie der Nummer eins nahe. Der Rest des Films ist ruhiger, als Sie ihn in Erinnerung haben, aber die elektrisierende Authentizität dieser Sequenz bleibt nahezu beispiellos. Es scheint, dass es auf echten Straßen und in Echtzeit passiert, wobei echte Autos ernsthaft zerschmettert werden. Doch was die Sequenz letztendlich so einzigartig macht, sind die Emotionen hinter dem Lenkrad: das unerbittliche Verlangen Popeyes, diesen Mörder zu fangen, was die Verfolgung in manisches Tempo treibt. – OG

Bruce Lee hatte bereits drei Blockbuster-Actionfilme in Hongkong veröffentlicht, von denen er bei einem Regie führte, bevor er zu Robert Clouses internationalem Starteam für Warner Brothers wechselte. Der Film konzentrierte sich auf ein hochkarätiges Kampfsportturnier, das von einem mutmaßlichen Verbrecherboss veranstaltet wurde, und bot Lee nicht nur die perfekte Plattform, um die physischen und philosophischen Grundlagen des von ihm entwickelten Jeet June Do-Stils zu präsentieren, sondern enthielt auch einige unvergessliche, einfallsreiche Actionsequenzen (die er auch choreografierte). Bedauerlicherweise war der Einfluss auf Lees Karriere erst posthum, aber „Enter the Dragon“ verewigte ihn als Star und bot einen Zugang zum Martial-Arts-Filmemachen, den das Publikum außerhalb Chinas noch nicht allgemein erlebt hatte. — TG

Steven Spielberg und George Lucas haben ihre Blockbuster-Gehirne zusammengefügt, um den witzigen und klugen Archäologen Indiana Jones zu erschaffen. Das populistische Duo nutzte seine gemeinsame Liebe zu Hollywood-Abenteuerserien und besetzte Han Solo selbst (Harrison Ford) als den schlangenscheuen Abenteuermagneten. Sein erster Auftritt erwies sich als filmische Achterbahnfahrt, die genauso aufregend war, wie John Williams‘ galoppierende Filmmusik vermuten lässt, von der spannenden Eröffnungssequenz, in der Indy nur einen Zentimeter davon entfernt ist, von einem riesigen Felsbrocken erschlagen zu werden, bis zum berüchtigten Ende, in dem der Schatz gefunden wird Er hat sein Leben riskiert, um ihn zu retten, und wird in einem riesigen Lagerhaus eingelagert. Wer hätte gedacht, dass er im Alter von 80 Jahren und vier Fortsetzungen später immer noch Artefakte von Nazis stehlen würde? — PD

Sein Antrieb, sein anmutiger Hauch tödlicher Spielkunst und seine Vision eines einsamen Mannes, der den Mächten des Schicksals entkommt, waren 1959 erschreckend neu und machten Alfred Hitchcocks klassischen Thriller zu nichts weniger als dem formalen und spirituellen Vorläufer der James-Bond-Reihe. Aber es ist die legendäre Crop-Dusting-Sequenz, in der Hitchcock, indem er bis an die Grenzen der Gefahr ging, neu erfand, was Kino sein könnte. Als Roger Thornhill von Cary Grant in diesem Maisfeld steht und von einem Propellerflugzeug verfolgt wird, dem er irgendwie entkommen muss, spaltet sich ein Versatzstück zum ersten Mal vom Film um ihn herum ab und wird zu seiner eigenen Realität. In diesem Moment wurde der Grundstein für das gesamte moderne Actionkino gelegt. – OG

Bruce Willis blutet, als er versucht, seine Frau (Bonnie Bedelia) vor Hans Gruber (Alan Rickman) und einer Bande zu retten, die sich als verrückte deutsche Terroristen ausgibt, die während einer Weihnachtsfeier ihren Büroturm in Los Angeles beschlagnahmt haben. Zu sehen, wie Willis übersät mit Schnittwunden durch Glas kriecht, macht den entscheidenden Unterschied, wenn es darum geht, seinen Charakter, den dienstfreien NYPD-Detektiv John McClane, von so vielen steroidgetränkten Actionhelden der 80er Jahre zu unterscheiden: Er war nicht so sehr eine unbesiegbare Tötungsmaschine, sondern eher eine Er war ein gewöhnlicher Mann, der ihm weit über den Kopf gewachsen war (das Publikum liebte ihn in der Rolle, die den komödiantischen „Moonlighting“-Star als harten Kerl neu definierte, und die Bezeichnung blieb bis zu seinem kürzlichen Ruhestand bestehen). Indem „Stirb langsam“ einen so sympathischen Protagonisten gegen Rickmans knurrenden, großartigen Filmschurken aller Zeiten antritt, hat er ein Rezept für unendliche Wiedersehensfähigkeit gefunden – einen Film, dessen festlicher Hintergrund ihn zu einer respektlosen jährlichen Tradition für Superfans gemacht hat, die nicht genug bekommen können von Willis‘ Juchhuu-Possen, ob er nun durch Luftkanäle kriecht oder Bösewichte aus den oberen Stockwerken abwirft. — PD

Im Jahr 1979 war „Mad Max“ von George Miller ein psychotischer Hell's-Angels-Film. Der Film wurde mit einem Autokino-Budget gedreht, entwickelte sich aber zu einem so globalen Phänomen, dass es Miller gelang, die Fortsetzung in etwas weitaus Größeres, Gruseligeres, Cooles und Grandioseres zu verwandeln. „The Road Warrior“, eines der großen dystopischen Spektakel, präsentiert die Vision einer Zivilisation, die auf zusammengeflickte Autos und mörderisches Überleben reduziert ist. Das schroffe kinästhetische Genie des Films besteht darin, dass er die Gottlosigkeit dieser Welt verkörpert, indem er sie in ein existenzielles Zerstörungsderby verwandelt. Während sich Mel Gibsons Max in seinem körperbetonten Ödland-Leder mit einer Kolonie umherziehender Desperados zusammenschließt, um Lord Humungus und seiner Hooligan-Horde zu entkommen, steigert sich der Film zur wahnsinnigsten Action-Sequenz, die jemals gedreht wurde: einer epischen Verfolgungsjagd mit Autowracks aus der Hölle, mit Albtraumfeinden wie dem Irokesen-Punk Wez, die aus ihren Fahrzeugen auf deines springen, das Ganze so furchterregend anhaltend, dass es wie ein einziger brennbarer Energiestoß ist. In „The Road Warrior“ ist Action Aufregung, Zerstörung, Krieg und der rostige, rasende Puls des Lebens selbst. – OG